Самарский областной художественный музей

 

1. НАСЛЕДНИКИ РУССКОГО АВАНГАРДА

В разделе представлено творчество трех художников – практиков и теоретиков беспредметного искусства. Каждый из них может считаться героем-одиночкой, гением одержимости, носителем сверхидеи по изменению мира через выработку радикально нового художественного языка. Этот пафос унаследован ими у классиков русского авангарда, прежде всего, Казимира Малевича. После «провала» сталинских лет и тотального торжества соцреализма именно эти художники подняли забытое знамя авангарда и унаследовали статус преемников прерванной традиции.

Элий Белютин (1925 – 2012) – самый загадочный и противоречивый художник 60-х, преподаватель, обладатель коллекции мировой классической живописи, судьба которой до сих пор не ясна. Начал карьеру в начале 1950-х преподавателем Московского полиграфического института, из которого впоследствии был изгнан. Создал собственный педагогический метод, сплотив вокруг себя к началу 1960-х годов несколько сотен последователей под шапкой направления «Новая реальность». Их общий почерк узнаваем – биоморфные абстракции в духе позднего Хуана Миро. Метод Белютина программно провозглашал – «брать лучшее у мировой культуры от Египта до наших дней» и синтезировать универсальный художественный язык, эсперанто своего рода, за которым будущее.

В 1962 году Белютин получил из ЦК КПСС приглашение на выставку «ХХХ лет МОССХ» в Манеже, впоследствии скандально разгромленную Никитой Хрущевым. После этой выставки Белютин продолжает работать и преподавать на своей даче в Абрамцево. Начиная с 60-х он активно выставляется в Европе, а с 90-х – и в Америке.

Парадокс Белютина состоял в том, что будучи ярко выраженным «формалистом», он имел огромные связи в партийном руководстве вплоть до самого высшего. Это обстоятельство в сочетании с крайне скрытным и затворническим образом жизни породило много легенд о художнике как тайном агенте власти. Ни подтвердить, ни опровергнуть эти мифы до сих пор невозможно.

На выставке впервые в Самаре демонстрируются живописные и графические произведения Элия Белютина с 1960-х по нулевые, подаренные Самарскому художественному музею вдовой художника Ниной Молевой после его смерти в 2012 году.

Юрий Злотников (р. 1930) – представитель «аналитического» абстракционизма. С именем Злотникова связан целый этап развития российского искусства второй половины ХХ века. После десятилетий тоталитаризма, когда искусство утратило весь энергетический заряд авангарда, творчество Злотникова стало мостом, связавшим художественные поиски послевоенного времени с достижениями русской культуры первой четверти века.

Творчество Злотникова было оппозицией не только «правому» крылу советского искусства, от официоза до разрешенного «молодежного» сюрреализма, но и »левому», нонконформистскому лагерю  — как поколению «шестидесятников», так и более позднему московскому концептуализму. Пространство, форма, цвет, движение, ритм – таковы центральные темы художника. Его серия «Сигнальная система» (1957-1962) часто признается самым значительным явлением российского послевоенного абстракционизма. Полосы, пятна, точки и множества на белом холсте были попыткой исследования строения живописи и реакций зрителя на микроскопические единицы искусства. В экспозицию вошли две работы художника, подаренные им музею после первой в Самаре персональной выставки, прошедшей здесь в 2013 году.

Анатолий Зверев (1931 – 1986) - «первый русский экспрессионист» по выражению Георгия Костаки, остался в истории как художник-одиночка, герой андеграунда. Единственный раз официальное прижизненное признание своего таланта на родине Зверев получил в парке имени Горького, где под видом рабочего принял участие в конкурсе художников и выиграл его.

У Зверева никогда не было своей мастерской – он оставлял картины там, где их рисовал. Частные коллекционеры скупали у Зверева его работы, некоторые из которых потом попадали за рубеж. Однако, на предложения жить и работать на западе сам художник неизменно отвечал отказом.

Творческое наследие Анатолия Зверева – более тридцати тысяч работ. В коллекцию Самарского художественного музея представленные на выставке живописные работы художника попали в 2012 году как дар коллекционеров Владимира Некрасова и Владимира Аветисяна.

 

2. СОЦ-АРТ

Соц-арт – концептуальное направление, ставшее советским вариантом поп-арта. Если американский поп-арт работал со знаками массовой культуры, то соц-арт оперировал идеологической и политической символикой. Представители соц-арта занимались критикой советской идеологии, иронически «препарируя» один из ее базовых языков – стиль социалистического реализма. Визуальные символы-клише (портреты Ленина и Сталина, герб СССР, серп и молот и др.) помещались художниками в чуждые контексты (например, в античность), утрачивая изначальное содержание. В силу узнаваемости символики на Западе именно соц-арт стал наиболее успешным и легко понимаемым направлением из всего российского искусства последних 50-ти лет. 

Раздел включает два крупноформатных полотна одного из ключевых представителей жанра, Леонида Сокова (р. 1941). Картины «Герб» (1991) и «В городе Калязине...» (1991) поступили в музей в 1995 году из коллекции Инкомбанка после прошедшей выставки. Работы – не самые характерные для Сокова и скорее носят экспериментальный характер. Автор здесь обыгрывает визуальные коды российской пейзажной традиции, соединяя их с традициями советского плаката и официальной символикой.

 

3. ПЕТЕРБУРГСКАЯ ЛИНИЯ

В разделе представлены авторы из Ленинграда-Петербурга. Они представляют гораздо более традиционную линию искусства, нежели их московские коллеги того же времени. Всех их объединяет общий объект подражания – европейский модернизм. Главным для авторов-петербужцев было и по сей день остается выражение художественной индивидуальности. Для петербургского искусства очень характерен повышенный интерес к наиву, примитиву и арт-брюту, а также порой нарочитый антиинтеллектуализм и полное отсутствие иронии. Это искусство, крайне серьезно к себе относящееся.  

Все работы в разделе поступили в музей в разное время как дары от художников, а также частных галерей и коллекционеров. Значительную часть раздела занимает абстракционизм, представленный такими именами, как Валерий Лукка (р. 1945), Вячеслав Михайлов (р. 1945), Владимир Духовлинов (р. 1950) и Евгений Михнов-Войтенко (1932-1988). В их живописи по-прежнему есть место эмоциональным аффектам, чуждым холодному концептуализму москвичей. Здесь важны цвет, экспрессия, фактурность; нередок уклон в метафизику, эзотерику.

Еще более яркую, экспрессионистскую линию представляют Арон Зинштейн (р.1947) и Феликс Волосенков (р. 1944). Первый активно использует фигуратив, второй черпает вдохновение в фольклорной образности.

Один из самых видных представителей «наива» - Геннадий Устюгов (р. 1937). Его лаконичная живопись, полная «детских» образов и светлой меланхолии, близка поэтическому высказыванию, очень личностному, но одновременно универсальному.

 

4. ПОСТКОНЦЕПТУАЛЬНАЯ ЖИВОПИСЬ

Блок включает работы широко известных ныне российских художников, чье становление пришлось на девяностые и нулевые годы. Их творчество знаменует обращение к живописи на новом витке, после долгого периода, в течение которого считалось, что традиционная картина «мертва». Это «живопись после смерти живописи», занятая дальнейшими поисками выразительных возможностей картины сквозь призму иронии и игры с языками и медиумами. Все работы раздела поступили в музей как дары с Венецианской биеннале 2003 года и экспонировались единственный раз в 2004 году.

Валерий Кошляков  (р. 1962) – автор самой крупной работы раздела, а также центральной для всей выставки. На ее примере видна доведенная Кошляковым до совершенства технология создания образа через красочные подтёки. В пространстве работ Кошлякова подтёки играют примерно ту же роль, что мазок у импрессионистов, а именно, являются средством субъективации предметности. Архитектурно-монументальные мотивы, излюбленные художником, не видны при ближайшем всматривании, но во всей своей притягательной и эффектной эфемерности предстают, стоит зрителю отойти на несколько шагов назад. Важную выразительную роль играет избранный автором материал – гофрированный картон, чья сложная текстура также налагается на подтеки краски. Смотрящий видит издалека и словно сквозь помехи, создаваемые визуальной игрой фактуры и нанесенных на нее красочных слоев. Зыбкий, призрачный предметный ряд произведений Кошлякова находится как бы «за» некоей пленкой, грязным стеклом. Усиливает дистанцию между изображенным миром и смотрящим то обстоятельство, что художник учитывает нарочито «низовую» семантику гофрокартона или скотча. 

Александр Виноградов и Владимир Дубосарский (р. 1963 и 1964), работающие в соавторстве, в самом разгаре 90-х (десятилетия расцвета перформанса) предложили в качестве актуального художественного продукта традиционную картину, более того, картину, формально наследующую эстетике социалистического реализма. При этом образный ряд их картин отсылал к современной массовой культуре, рекламе, глянцу и шоу-бизнесу. Мир Виноградова-Дубосарского – эйфорическая утопия и вечный гламурный позитив, но изображенные средствами «мертвой», отжившей поэтики, да еще и в крупном вплоть до гигантизма формате. Эффект живописи художников – в постоянном конфликте этих двух миров. Так, средствами формы художники критиковали современную им эпоху тотального потребления, которой в первую очередь были 2000-е годы. Подобная эстетика оказалась актуальной и востребованной. В нулевые годы Виноградов и Дубосарский стали едва ли не самыми коммерчески успешными художниками России, их работы разошлись по статусным музейным коллекциям. В экспозицию вошла картина «Поцелуй» из большой серии, изображающей очередную авторскую утопию, в данном случае – вымышленный подводный город, населенный счастливыми обитателями.

Константин Звездочетов (р. 1958), сооснователь арт-группы «Мухоморы» в начале 80-х годов и еще целого ряда художественных инициатив (группа «Чемпионы мира», Клуб авангардистов КЛАВА и др.). Представитель ироничной живописи, целиком основанной на стилизации, Звездочетов исследует российскую «низовую культуру», повседневность в ее типажах и ситуациях, используя «маргинальные» художественные языки. Такие, как, например, советская карикатура из журнала «Крокодил», газетная реклама, пропагандистские плакаты на заводах, афиши провинциальных кинотеатров. Ирония художника не содержит резкой критики, а скорее снисходительно-добродушна, как в лубочной традиции. 

Константин Зацепин